Está aí um filme que incomoda e causa engulhos (tal sua eficácia em mostrar o mundo interior em frangalhos e em decomposição de um personagem às voltas com o desejo desenfreado) mas faz pensar. Eu o achei nada redundante. Tudo ali, desde o princípio, é bem dosado, de forma que o espectador, por via, não necessariamente da identificação direta (“Eu também faço essas coisas, caramba!”) mas da indireta (“Uau! Vejam só isso: o cara simplesmente surtou. E é incrível como eu, aqui no conforto da minha sala, consigo me colocar no lugar dele e viver suas degradantes experiências!”), tenha a exata noção do que é a vida quando ela chega ao fundo do poço. Cortes bruscos, elipses narrativas, a música muito bem escolhida como apoio ao que está sendo mostrado, ou em vias de ser mostrado: tudo isso vai num crescendo até seu desfecho que achei, particularmente, bem delineado e verossímil.
Um filme que será, como já está sendo, muito mal-entendido ou entendido de forma superficial.
Ali está exposta, de forma crua, a transformação do prazer em suplício. E os desdobramentos trágicos dessa transformação.
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nossas próprias mesquinharias e defeitos mil. Representar um naco da vida, expor os sentimentos extremos, nos fazer olhar dentro de nós mesmos: o teatro grego, lá nas suas origens, já fazia isso, bem sabemos. O conceito de catarse, segundo o ponto de vista da tragédia grega, é a purificação, uma espécie de faxina mental que fazemos ao observarmos nossos conflitos interiores representados num drama. Ao vê-los ali, obtemos uma perspectiva crítica e podemos, assim, repensar nossas atitudes e muito da nossa visão das coisas. Ampliemos a definição e a adaptemos ao cinema, essa arte hoje em dia cada vez mais técnica e cheia de efeitos especiais – o que não vem a ser necessariamente algo negativo, pelo menos no que se refere ao cinema de entretenimento – e que pode, quando realmente assim deseja, expressar o vasto mundo interior do ser humano e iluminar as áreas sombrias de nossa psique. Quando um filme nos coloca face a face com o que há de pior em nós, quando somos forçados a compartilhar o desnudamento frio e sincero de vidas que se pautam pelas aparências; quando uma obra cinematográfica nos coloca em contato direto com diálogos que ferem, palavras que envenenam, gestos que humilham, silêncios interiores que dissecam a alma humana; quando, por fim, ficamos constrangidos com o que há de vil em nós – pela via da representação dramática de outros seres –, quase sempre em estado de potência, temos a certeza, então, que estamos diante de uma obra atemporal e universal. 
O cinema alemão já teve seu auge, bem antes do Novo Cinema de Fassbinder, Werzog e Cia: foi nos anos seguintes à Primeira Guerra Mundial. A Alemanha fora humilhada pelos seus vencedores. Foi uma crise profunda, que propiciou o surgimento de um caldo de ressentimento que deu cria a toda uma geração de pústulas medíocres chamados de “nazistas” e sua ideologia cretina, bem como de seu porta-voz e principal “agitador”: sabem a quem me refiro aqui. Se as ideias de Nietzsche estavam sendo distorcidas então, uma crise galopante correndo solta, o sentimento de desalento atingindo a maior parte dos alemães, pois bem, se tudo isso estava gerando uma ideologia nazi, por outro lado alguns desses ingredientes também estavam ajudando a fermentar aquele “movimento” que ficou conhecido como Expressionismo Alemão. Mais que um movimento, ele foi, na verdade, um estado de espírito e uma reação àquele estado de coisas.
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Assisti semana passada a essa louquíssima e divertida (ao extremo!) comédia do mestre de Nova York. Há muito tempo eu não ria tanto. A Diane Keaton não fica nada a dever ao talento faraônico de Allen para nos fazer contorcer de tantas risadas. Vi junto com meu pai e o velho chorava de tanto rir, em alguns momentos.
Este O ALUCINADO conta a história de um homem, Francisco Galvan (Arturo de Córdova, um ator poderoso), ricaço, respeitado, freqüentador de igreja, um típico nobre e bem-quisto figurão. Numa celebração de lava-pés, ele, ao lançar os olhos pelos pés (na hora percebemos seu fetiche por essa parte do corpo humano) das pessoas ali presentes, se detém em um par. A câmera, numa simulação do olhar de Francisco, passa por alguns pés e volta, se detém neles, sobe pelas pernas até chegar ao rosto de uma mulher tímida que a muito custo consegue lançar um olhar em resposta àquele homem que, percebemos ali, por ela se apaixonara na hora. Amor à primeira vista. Do plano geral para o particular. Cena perfeita.
A partir dali, vemos tudo se desenrolar: Glória (Delia Garcés), a mulher pela qual Francisco Galvan se apaixonara, era, na verdade, noiva de Raul (Luis Beristáin), um engenheiro conhecido do respeitado e ilustre homem. Pronto: passamos a ver o grande tema do filme colocado em ação. Um tema caro a Buñuel: a obsessão. O manto de normalidade sobre a verdadeira essência dos seres: o que vemos, nas ações de alguns de seus personagens (lembrando das lindas mulheres de A BELA DA TARDE e de ESSE OBSCURO OBJETO DO DESEJO, sobre o qual escrevi 
Se não fosse aquele apego aos monstros interiores. Algo muito bem trabalhado, como escrevi acima, por Buñuel em outros de seus filmes, até mesmo aqueles mais surrealistas. Para quem não sabe, Surrealismo no cinema é sinônimo de Luis Buñuel, não por acaso o braço direito de Salvador Dalí, no final da década de vinte, na empreitada de traduzir o automatismo psíquico para a tela do cinema. 
Ele tinha, obviamente, toda uma poética das imagens, toda uma estética por trás daquilo que fazia. Ele ambicionou fazer um cinema puro, um cinema sem a necessidade de relatar necessariamente um drama, um conflito, uma ação narrativamente bem amarrada, uma seqüência bem comportada de acontecimentos. Ele simplesmente queria desvincular aquele cinema recém-nascido de sua íntima dependência da literatura e do teatro. As imagens estão ali, trabalhadas num ritmo alucinante, ainda que não aleatório. Maestro acabado das imagens, Vertov nos hipnotiza neste filme, nesta obra que desafia uma categorização fácil. Em pouco mais de uma hora, vemos aquelas cenas-poemas, aqueles cortes ousados, movimentações atípicas, e por isso mesmo surpreendentes. O passeio que empreendemos à URSS de oitenta anos atrás nos deixa atônitos com o potencial que há por trás da manipulação (não no sentido de falsificação da realidade, mas no de reconfiguração poético-imagética dela, da realidade) das imagens. Acredito que muita gente que hoje se dedica ao cinema ou que por ele tem um interesse mais aprofundado tenha se apaixonado por essa arte após assistir a essa obra mais que seminal para se entender a beleza e riqueza que é o cinema, arte hoje, infelizmente, vista por muitos como apenas e tão-somente um reles entretenimento/fuga da realidade/válvula de escape (“Ah, vamos pegar um cineminha pra relaxar, amor?”) ou um nicho de mercado rentável (do ponto de vista dos grandes produtores, exibidores etc) .
Olhar diacrônico é aquela concepção de ver uma arte sob um olhar, uma perspectiva de “corte”: é vê-la através dos tempos, não apenas de um ponto de vista, mas sim daqueles que nos possibilitam uma panorâmica plena. É, em suma, ver uma arte como uma linha contínua, que se enriquece, quase sempre, com as contribuições daqueles que, lá atrás, exatamente como Sergei Eisenstein, Dziga Vertov e tantos outros, nos deixaram. Contribuições essas que estão aí para serem descobertas, valorizadas e divulgadas por todos aqueles que procuram enxergar além do trivial.
